O céu (e a errância) de Suely

O céu de Suely é título do segunda longa do diretor brasileiro Karim Aïnouz. Nele, a protagonista é Hermila ( Hermila Guedes), 21 anos, que volta de São Paulo para sua terra natal, a árida Iguatu, no sertão cearense. Numa das primeiras cenas, ela desce do ônibus com seu bebê num braço e uma mala desajeitada a custo arrastada pela mão. Seu objetivo é montar uma banca de venda de CDs e DVDs que o namorado e pai de seu filho trará nas próximas semanas. Mas ele não chega, Hermila se descobre abandonada e, insatisfeita, começa a pensar num jeito de ir para lugar menos inóspito. Resolve rifar-se a si mesma a fim de conseguir comprar um bilhete de ônibus. Passa a vender números para o prêmio Uma noite no paraíso. Isso cria um clima hostil a ela, seja na casa da tia Zezita (Zezita Matos), onde se abriga, seja nos segmentos mais conservadores da comunidade. Iguatu, ora retrata o nordeste ressequido, ora um centro cosmopolita com seu posto de gasolina (chamado Veneza) transformado em lugar de lazer; a feira onde se compra carne de bode é vizinha da loja de objetos (made in China?) vendidos a R$1,99. É o mundo globalizado, onde ao fazer o primeiro movimento para se reinventar, Hermila escolhe outro nome: Suely.

Uma leitura mais rasa, ou de esquerda, poderia frisar apenas a força do meio social na definição dos destinos dos indivíduos. Aïnouz foge a esta tese. Considerando com mais atenção a trajetória de Hermila/Suely, e principalmente levando-se em conta a forma como sua história nos é mostrada, podemos adentrar níveis mais complexos na revelação do desejo como força superior a qualquer imposição do sistema. Ao nos contar a saga da moça, o diretor constrói imagens que conduzem a história ao nível da recriação pessoal, afastando a ênfase no social, embora fosse tentador trilhar o caminho do denuncismo ou do engajamento. O cinema de Aïnouz é outro, reflete sua crença nas possibilidades de transformação do indivíduo, e, neste filme especialmente, trai a admiração pelas mulheres de sua família nordestina, “fortes, irreverentes, delicadas e violentas ao mesmo tempo.”

Necessário é dizer que as imagens (de Walter Carvalho) somam-se para configurar um recurso estético muito rico que é a alegoria: os portais da cidade, as pipas aprisionadas em fios elétricos; a árvore solitária e imóvel; a rodovia; trem, motos, caminhões, ônibus, tudo o que transita; som dos alto-falantes, de carros de propaganda, do vento, do canto de pássaros; a rodoviária aonde a moça indaga “quanto custa uma passagem para o lugar mais longe daqui”. O lugar mais distante é Porto Alegre, para onde ela quer ir mas não tem dinheiro. Esse desejo de evasão, que predomina, contrasta com o sonho recente de se estabelecer com um pequeno comércio, comprar uma casa, criar o filho.

Destacadas, as imagens acima referidas dizem pouco, mas como elementos da estética do todo que é a obra de arte, ganham força ao se interligarem em cadeia de significados que produzem um sentido mais abrangente. Este reforça a jornada da protagonista, entrincheirada entre o que restringe e o que se movimenta, o que fica e o que vai, o permanente e o transitório. Neste contexto, o céu com que sonha Suely não é, mostra-se óbvio com o fluir da trama, similar ao sagrado da tradição cristã, marcado pela paz eterna. Ele é um espaço onde se possa ser feliz, seja lá o que isso signifique em termos relativos. Para a protagonista é um certo jeito cigano de existir, uma recusa ao sedentário, uma aposta no nomadismo que responda ao seu inconformismo. E não, como considerou de início uma análise menos séria,” atender à vocação para a prostituição”. Sobre isso ela é enfática ao responder à tia que lhe pergunta sobre a rifa (“Que idéia de puta é essa?) : “Quero ser puta não! Quero ser porra nenhuma!”

Talvez seja a fala mais expressiva do filme, sob o ângulo que descortina o caráter errante da protagonista, que chega de um lugar e parte para outro sem se apegar a nada, buscando instintivamente fugir de enquadramentos que aprisionam. Se fosse letrada é possível que Suely , sorriso enigmático no rosto, estivesse pensando, na sugestiva cena final dentro do ônibus, sobre a impermanência do ser. Ou talvez, ainda, num acréscimo: se o tempo urge, devemos mais é aproveitar o dia.

PS: O fato de personagens e atores terem os mesmos nomes parece sinalizar para uma equação onde as verdades de ambos se equivalem e o que vemos na tela tanto pode ser ficção quanto realidade: a aspiração do diretor é aproximar em liame máximo o verdadeiro e o verossímil.