Por Marcelo Batuíra Losso Pedroso*
Carl Orff (1895-1982): Cantata Carmina Burana
Em 1934, Carl Orff (1895-1982) encontrou pela primeira vez uma coleção de poemas e canções goliárdicas do século XIII compilados no mosteiro beneditino de Benediktbeuern, localizado na Baviera, a 80 quilômetros de Munique, descoberta em 1803. Muito embora alguns acreditem que o manuscrito veio originalmente da cidade de Seckau, na Áustria, Carmina Burana (Canções de Beuren) é uma coleção eclética de mais de 200 poemas e canções. Seus temas variam desde o êxtase religioso até o amor secular, a luxúria, a devassidão embriagada e o humor obsceno. A maioria dos poemas está em latim eclesiástico medieval, embora alguns se apresentem em dialeto alemão bávaro medieval e outros em francês arcaico.
Ao longo dos séculos X a XIII, grupos de poetas vagabundos, clérigos destituídos e estudantes desistentes vagavam pela Europa e eram conhecidos como Goliardos ou Vagabundos. Em comparação com a poesia elegante e elevada dos trovadores e menestreis, os Goliardos falavam em uma linguagem terrena e explícita, de uma perspectiva cínica e irreverente. Seu estilo de vida pessoal era repleto de jogos de azar, bebidas, vícios de vários tipos, roubos e mendicância, críticas sociais e religiosas e compromisso com a “vida livre”, tudo isso devidamente registrado em seus escritos.
Ao compor sobre tais textos, Carl Orff rejeitou os estilos predominantes da música alemã que dominaram o primeiro terço do século XX. As harmonias sofisticadas, as sequências de 12 tons, os alicerces teóricos esotéricos e os profundos conceitos filosóficos desapareceram. Em vez disso, Orff escreveu canções estróficas (melodias que não se desenvolvem ou mudam de um verso para outro), usando harmonias básicas derivadas de escalas maiores, menores e modais. Ele também enfatizou os ritmos dinâmicos e destacou a seção de percussão. Orff encontrou seu novo nicho na música, que se baseava fortemente em canções simples, forças rítmicas repetitivas, orquestração ardente, encapsuladas em um neoprimitivismo selvagem. Tudo isso se concretizou em Carmina Burana. Acima de tudo, o compositor escolheu textos que celebram as experiências humanas primordiais.
Os 24 textos selecionados por Orff estão organizados em três grandes seções: 1. Primo vere (Primavera) e Uf dem Anger (Numa praça de um vilarejo); 2. In taberna (Na taberna); e 3. Cour d'Amours (Corte do amor). Elas são ladeadas por uma grande introdução e conclusão dominadas por uma figura de ostinato (repetição) brutal e controladora e um texto que fala do destino inconstante, perpétuo e determinante. A primeira seção é precedida por Fortuna Imperatrix Mundi (Fortuna, Imperatriz do Mundo), a mais conhecida de Carmina Burana. O conceito da implacável deusa da Fortuna girando sua roda para determinar o destino de cada um é o tema central de Carmina Burana, um mote medieval sobre “coma, beba e seja feliz, pois amanhã morreremos”.
Os autores desses poemas, cujo foco nos prazeres terrenos beira o obsessivo, foram motivados pela crença no poder caprichoso, muitas vezes cruel, da roda da fortuna para destruir suas vidas. Primo vere começa com uma figura “trinado” nos flautins, flautas, oboés e pianos, um canto musical de pássaro sinalizando o despertar da primavera. As três primeiras canções enfocam o rejuvenescimento da terra. Elas também associam os primeiros movimentos da primavera aos sentimentos de amor e paixão, que também estão emergindo da longa hibernação do inverno. A música é simples; na primeira canção, Veris leta facies, o coro canta em oitavas uníssonas; a segunda, Omnia Sol temperat, apresenta um solista barítono e os mínimos detalhes de acompanhamento. Somente quando a primavera irrompe completamente, em Ecce gratum, ouvimos harmonias vocais, acompanhadas por uma orquestra completa. A subseção Uf dem Anger apresenta várias danças, tanto mundanas (Tanz), quanto refinadas (Reie). As músicas são repletas de flertes e promessas sedutoras.
In Taberna tanto celebra, quanto denuncia os efeitos do álcool. Estuans interius é um canto operístico para o barítono, que declara: “Minha alma está morta, então eu cuido da carne”. Olim lacus colueram, cantada pelo tenor e acompanhada por um solo de fagote melancólico, é contada do ponto de vista de um cisne sendo assado em um espeto em um banquete de bêbados. Ego sum abbas parodia é um canto gregoriano e fala sobre o abade fictício de Cocanha, que perde seu dinheiro e suas roupas em uma mesa de jogo. O coro masculino ecoa seu grito desesperado de “Wafna!”. In taberna quando Sumus venera, em uma série de brindes, todos os que tomam bebidas alcoólicas. As vozes masculinas são acompanhadas por explosões alternadas de metais e percussão com prosaicos “oom-pahs”.
As canções de Cour d'amours enfocam as duas principais facetas do amor na época medieval: o amor cortês, o desejo por uma dama casta e geralmente inatingível (como em Dies, nox et omnia) e o francamente erótico (Si puer cum puellula e Veni, veni, venias). A soprano solista expressa tanto o desejo quanto a hesitação virginal (In trutina mentis dubia e Tempus est iocundum); mais tarde, ela transmite seu êxtase com uma ária orgástica (Dulcissime). Essa seção termina com o grande hino quase religioso do coro para “a mais bela de todas”. Com uma linguagem geralmente reservada para orações à Virgem Maria, ela é comparada a Helena de Tróia e a Blanchefleur, a heroína de um romance do século XII, e à própria Vênus. No entanto, antes que alguém possa se demorar no reino do amor, a roda sempre giratória da Fortuna retorna para um lembrete final da imprevisibilidade da vida.
Sua cantata cênica Carmina Burana é de longe sua obra mais conhecida. Seu título completo em latim é Carmina Burana: Cantiones profanae cantoribus et choris cantandae comitantibus instrumentis atque imaginibus magicis (“Canções de Beuern: Canções seculares para cantores e coros para serem cantadas com instrumentos e imagens mágicas”). Carl Orff criou uma música deliberadamente simples para uma grande orquestra e coro, construída em torno de pulsos e ritmos vigorosos com sonoridades ricas. Essa obra é a primeira parte de um tríptico intitulado Trionfi (Triunfos), que também inclui a Catulli Carmina (uma cantata baseada em poemas de Catulo, incluindo Odi et amo, composta em 1943), para coro, voz solo, pianos e percussão, na qual o coro fornece acompanhamento quase instrumental para os solistas, e Trionfo di Afrodite (Triunfo de Afrodite, composta em 1953), para grande orquestra e coro. Toda a trilogia é baseada em textos que glorificam o amor. Em 1936, Orff terminou a primeira parte da trilogia e Carmina Burana estreou em Frankfurt, na Alemanha, em 8 de junho de 1937.
Carl Orff nasceu em Munique, na Alemanha, em uma família de oficiais do exército que demonstravam grande interesse por ciência, história e música. Orff começou seus próprios estudos de música (piano, órgão e violoncelo) aos cinco anos de idade. Enquanto prosseguia com seus estudos em Munique, Orff se interessou pela música do compositor impressionista francês Claude Debussy e do compositor austríaco Arnold Schoenberg, pioneiro na expressão musical atonal. Foi convocado para o exército em 1917, mas após ser ferido na frente de batalha, foi dispensado do serviço militar.
Ao retornar a Munique, em 1919, Orff iniciou um estudo intensivo da música dos séculos XVI e XVII e, em particular, das obras do grande compositor barroco italiano Claudio Monteverdi. Foi, em grande parte, autodidata como compositor e, como resultado, suas obras são bastante independentes da música de seus contemporâneos; no entanto, com ênfase na repetição rítmica, podemos ouvir uma influência stravinskiana nessa composição em particular. O que distingue Carmina Burana de outras obras do século XX são os ritmos dançantes, as melodias diatônicas memoráveis e o uso da forma estrófica; tudo isso a torna instantaneamente atraente para o público.
Orff foi talvez mais um educador musical do que compositor e sua abordagem inovadora e experimental da pedagogia musical manifestou-se nos aspectos elementares de sua própria música. Em 1923, ele conheceu a dançarina e coreógrafa Dorothee Günther, que, simpatizando com suas ideias sobre música, compartilhava seu entusiasmo pela relação simbiótica entre música e dança. Essa filosofia levou-os a abrir a Güntherschule, que oferecia cursos de música e dança, usando uma abordagem pedagógica inovadora que incluía improvisação e experimentação multidisciplinar.
Essa abordagem em relação às artes e à educação artística pode ser vista permeando as próprias composições de Orff. Os gestos rítmicos repetitivos e as frases regulares rimadas refletem as ideias de Orff sobre música elementar: música que se desenvolve naturalmente, está profundamente conectada à estrutura intrínseca das palavras e pode ser facilmente aprendida. É claro que Carmina Burana também apresenta uma orquestração sofisticada e uma interpretação acadêmica dos textos; entretanto, a estética elementar articulada nessa obra é uma marca distinta de Orff como educador e contribuiu muito para que Carmina Burana tenha se mostrado tão duradoura.
Cada movimento dessa obra tem um caráter distinto e é uma consideração cuidadosa do texto apresentado como um quadro. Carmina Burana foi originalmente concebida como uma obra de palco, incluindo cenário, dança e mímica, seguindo a filosofia da Gesamtkunstwerk, ou “arte total”, em que vários elementos da arte são unificados por meio do teatro. Embora não tenha um único enredo dramático, Carmina Burana é uma coleção de cenas que expressam o sentimento medieval de aceitação da vontade da Fortuna (ou Destino).
A figura da Fortuna (Destino) é fundamental para entender a visão de mundo medieval. Uma representação da deusa Fortuna e sua roda decoravam o manuscrito original de Carmina Burana do século XII. A roda da Fortuna é encontrada em toda a arte, música e literatura medievais e tinha como objetivo transmitir a natureza mutável do destino do homem, que estava à mercê da roda giratória da Fortuna. A imagem onipresente geralmente é mostrada com a figura feminina da Fortuna e uma roda de quatro raios. Cada ponto da roda é mostrado com um homem e uma frase correspondente: "Eu reino", "Eu reinei", "Eu não tenho reinado" e "Eu reinarei novamente".
O Fortuna, o movimento mais angustiado e mais famoso da obra, é a representação musical de Orff dessa ideia da impotência do homem contra o destino. Podemos ouvir o implacável girar da roda da Fortuna na figuração ostinato dos fagotes. O coro completo, em um verso repetitivo que soa como um encantamento, lamenta o destino caprichoso. A orquestração se intensifica lentamente ao longo dos versos subsequentes, assim como as harmonias do coro, até que a última linha é proclamada com total drama e fanfarra: "Então, nesta hora, toque as cordas vibrantes; porque o destino derruba até mesmo os fortes; todos choram comigo". O que se segue na próxima hora, no entanto, não é choro algum, mas sim um desafio báquico ao destino por meio de uma celebração desbocada da primavera, do humor e das alegrias do amor.
Em cada cena, e às vezes em um único movimento, a roda da fortuna gira, a alegria se transformando em amargura e a esperança em tristeza. O Fortuna, o primeiro poema da edição de Schmeller, completa esse círculo, formando uma estrutura composicional para a obra por ser tanto o movimento de abertura quanto o de encerramento. Carmina Burana contém pouco ou nenhum desenvolvimento no sentido clássico, e a polifonia também está conspicuamente ausente. Carmina Burana evita complexidades harmônicas evidentes, fato apontado por muitos músicos e críticos.
Orff foi influenciado melodicamente por modelos do final da Renascença e do início do Barroco, incluindo William Byrd e Claudio Monteverdi. É um equívoco comum pensar que Orff baseou as melodias de Carmina Burana em melodias neumáticas; embora muitas das letras do Códice Burana sejam realçadas com neumas (elementos básicos do sistema de notação musical anteriores à invenção da notação de pautas de cinco linhas), quase nenhuma dessas melodias havia sido decifrada na época da composição de Orff, e nenhuma delas serviu a Orff como modelo melódico. Sua orquestração cintilante mostra uma deferência a Stravinsky. Em particular, a música de Orff lembra muito a obra anterior de Stravinsky, Les noces (O casamento).
O ritmo, tanto para Orff quanto para Stravinsky, é frequentemente o principal elemento musical. De modo geral, Carmina Burana soa ritmicamente direta e simples, mas o compasso muda livremente de um compasso para o outro. Algumas das árias solo representam desafios ousados para os cantores: a única (e belíssima) ária de tenor solo, Olim lacus colueram, é frequentemente cantada quase que completamente em falsete para demonstrar o sofrimento do personagem (nesse caso, um cisne assado). As árias de barítono frequentemente exigem notas altas que não são comumente encontradas no repertório de barítono; e partes da ária de barítono Dies nox et omnia são frequentemente cantadas em falsete, um exemplo raro no repertório de barítono. Também é digna de nota a ária para soprano solo Dulcissime, que exige notas extremamente altas. Orff planejou essa ária para um soprano lírico, não para um coloratura, para que as tensões musicais fossem mais óbvias.
Carl Orff escreveu várias outras obras, tanto antes quanto depois de Carmina Burana, e também é conhecido por suas Schulwerke (Obras escolares), uma coleção de músicas para crianças, e pelo método pedagógico de educação musical que as acompanha. No entanto, nada mais que Orff tenha realizado em seus 87 anos chega perto de rivalizar com a fama e o poder de permanência de Carmina Burana. O Dicionário Grove classifica Carmina Burana como “música de poderosa sensualidade pagã e excitação física direta”.
Até hoje Carmina Burana continua sendo uma das obras clássicas mais populares, uma presença constante nas salas de concerto e nas gravações. Também pode ser ouvida em vários filmes, programas de televisão e propagandas. Mais de 80 anos após sua estreia, a Carmina Burana de Orff continua tão irresistível como sempre. Se existisse uma classificação dos grandes “hits” de sucesso da música clássica, Carmina Burana certamente é um deles, juntamente com as Quatro Estações (de Antonio Vivaldi), 9ª Sinfonia (de Beethoven), ou as óperas La Traviata (de Giuseppe Verdi), Carmen (de Georges Bizet) e Madame Butterfly (de Giácomo Puccini).
Nesse contexto, Carmina Burana representa um desvio impressionante do curso de grande parte da música de concerto da época. Desde o refrão de abertura, "O Fortuna" - um hino ao poder inexorável do Destino - fica claro que essa grandiosa Cantata marca um retorno enfático às forças da melodia e do ritmo em sua forma mais elementar. A atonalidade do século XX não está presente em lugar algum. Em vez disso, as melodias contagiantes e decididamente tonais de Carl Orff são repetidas várias vezes (uso intenso do ostinato), com a variedade fornecida pelos contrastes na dinâmica e nas cores vocais e instrumentais. Durante todo o tempo, a celebração estridente de Carmina Burana da filosofia do carpe diem cria uma força irresistível de energia que garante que o público fique sem fôlego na conclusão.
*É doutor em Direito pela USP e pós graduado pela The Anderson School of Management da UCLA – Los Angeles e diretor do Jornal de Piracicaba.